El pesado aroma que sucede a la pasión impregnaba el cuarto. Tumbados sobre la cama a oscuras y en silencio aguardaban la llegada del fin del mundo; Así semana tras semana, hasta comprobar por ellos mismos que nadie muere en domingo.
2020, ese año que no olvidaremos nunca. Jamás ha sido más complicado encarar una summer playlist para Talk to Him que en este año aciago. La azotea sonora siempre es un espejo desde el que reflejar las emociones y vivencias a través de la música; desde una perspectiva particular, pero con una intención universal. Es por ello que todo el dolor, incredulidad, impotencia, aislamiento y desestabilización emocional han intentado ser transmitidas con el corazón en un puño. Esta vez en dos partes, la segunda sólo para mecenas que apoyan el podcast. La oscuridad es la primera de ellas. Agarraos fuerte, que el viaje promete ser intenso y revelador.
La segunda parte de la Summer Playlist 2020, The Light, en exclusiva para los mecenas que apoyan el podcast. La historia continua en un viaje sonoro a través de las distintas emociones y vivencias que las canciones narran hasta llegar a la ansiada luz que tanto trabajo cuesta a veces vislumbrar. El lenguaje de la música desentrañando el enigma de vivir hasta las últimas consecuencias, la única enfermedad por la que merece la pena morir.
Este mes la azotea sonora de Talk to Him rinde un homenaje al silencio a través de las más sutiles, conmovedoras y porosas formas musicales: la del neoclásico, el drone y el ambient. Más allá de etiquetas o compartimentos, esta carta se vertebra en un todo cohesionado donde las emociones fluyen naturales hasta lo más profundo de nuestro espíritu. Así, con cuidado, poco a poco, abrazados por la quietud del silencio. Que su abrigo invisible os guarezca del frío, la soledad y el desamparo siempre.
Y en un campo tan infinito, del todo inabarcable, huelga decir que las ausencias son muchas. Para completar la nómina de compositores y artistas incluidos en el podcast, estas son otras tres recomendaciones a escuchar:
Andrei Manchado. Este compositor brasileño destila un sosegado clásico moderno que coquetea con el ambient. Su disco de2014, Catarse, es una pequeña joya a descubrir.
Worrytrain. Joshua Neil Geissler es el nombre que se esconde tras este fantasmagórico proyecto. Su disco, Fog Dance, My Moth Kingdom (07) es un terrorífico tour de force por los diversos apocalipsis que han ocurrido a lo largo de la historia. Oscuro, opresivo y destructivamente bello.
Otto a Totland. Otra obra a rescatar en este pequeño apéndice es Pinô (14), del noruego Otto a Totland, puro impresionismo, pinceladas de belleza sutil e hipodérmica. Melancolía para otoños que no terminan nunca.
Est mes, la carta sonora de Talk to Him habla de muchas cosas. Habla de la pérdida de la niñez, del desplome de la inocencia, de la fragilidad de la ilusión, del ecosistema de los sueños, del valor de creer, de la ausencia de fe, de aceptar el cambio, de enamorarse de la tristeza...
Y lo hace a través de la única banda capaz de conglomerar todas esas emociones con un disco irrepetible. Nos referimos a The Smashing Pumpkins y a su trabajo más sublime, el barroco Mellon Collie and the Infinite Sadness. Un recorrido por una etapa fascinante; un universo personal e intransferible llevado al extremo de los sentimientos.
Algo desmesurado para algunos y que, para aquellos y aquellas que llevamos bien dentro su significado, es sólo la punta del iceberg de una sensibilidad que nos acompañará hasta que dejemos este mundo. Una carta dedicada, fundamentalmente, a quienes sienten la tristeza más inevitable: la de haber sido un día felices.
Podría escribir muchísimas más cosas sobre esta banda y este disco, pero creo que ya hice un acercamiento lo suficientemente personal y emotivo como para recomendar su lectura en este mismo blog si deseáis profundizar más en este fragmento de corazón perdido en las espirales del tiempo y el espacio. Podéis hacerlo aquí.
Por cierto, si lo hacéis, os recomiendo prestar atención a los testimonios de los lectores que quisieron compartir sus vivencias y recuerdos asociados a este mapa ventricular de cruda realidad, encendidos sueños e inevitable tragedia.
Como extra final a esta entrada del blog, os dejo el concierto acústico grabado en 1996 en Madrid por Smashing Pumpkins, en plena gira Mellon Collie & The Infinite Sadness, coincidiendo con su paso por España, poco antes de la trágica muerte de su teclista Jonathan Melvoin y posterior expulsión de Jimmy Chamberlain de la banda. Disfrutad esta pequeña joya.
En esta ocasión, mi podcast musical Talk to Him rinde un especial homenaje a un formato discográfico muy peculiar: El EP (Extended Play). En origen, este tipo de disco suponía un punto intermedio de duración entre el single (sencillo) y el LP (Long Play). Una vez que el vinilo dejó de tener la vigencia de antaño, el sentido recto del término se tergiversó y la duración puede ya variar de manera aleatoria, si bien sigue considerándose como un conjunto de canciones que publica un artista o banda con duración inferior a la de un álbum al uso.
Son muchos los artistas que cuidan este formato, incluyendo en no pocas ocasiones algunas de sus canciones más imprescindibles, peculiares o maravillosamente raras de sus respectivas carreras. Por ello, resultaba necesario un programa dedicado al EP, con toda esa magia breve y menos recordada o accesible que la de los lanzamientos discográficos en disco o single. Un punto medio que, curiosamente, dista más que ninguno de lo convencional o previsible.
El podcast supone una recopilación de los 15 EP's más significativos para mi vida, sin repetir artista y sin incluir tampoco los que están compuestos exclusivamente por versiones. Todos con un significado personal, emotivo, anclado en la memoria y, a la par, con la vigencia suficiente para dibujar mi futuro musical ventricular. Espero que disfrutéis tanto como yo la selección. Buen viaje.
Como añadido, en este artículo os recomiendo otros tres EP's fabulosos que han quedado fuera de la lista, para que completéis la colección sonora.
My Bloody Valentine. You made me realise (88). Antes de pasar a la historia por su celbérrimo Loveless (91), My Bloody Valentine ya trazaron una carrera referencial en el universo shoegaze. Este primer EP fue la piedra de toque para todo lo que vendría después. Y como joya el tema titular, de una distorsión desatada, capaz de entrelazarse con sus dulces melodías. Mención aparte para su interpretación en directo, alargada hasta los casi extenuantes veinte minutos de puro ruido manteniendo una nota. Marcianos insustituibles.
At The Drive-in - Vaya (99). El universo post-hardcore de At the Drive-in, trufado de intensidad y de violencia, encontraba en Vaya (99) una de sus referencias más celebradas. En especial con "198d", tema que lo cerraba con una combustión de emociones difícil de superar. Extraño, mutante e imprescindible.
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The Tallest Man on Earth - Sometimes the blues is just a passing bird (10). El sueco Kristian Matsson, el nombre detrás de The Tallest man on Earth, cuenta con una prodigiosa capacidad para elaborar bellísimas piezas de folk, siempre henchidas de sentimiento. En este EP cuenta con uno de sus temas más bonitos y estremecedores, "The Dreamer", dotado de esa curiosa tristeza esperanzada que tan sólo unos pocos saben transmitir.
Una vez escribí algo que mantengo cada día de mi vida: "Ojalá pudiera explicarlo todo con canciones". Y es que, pese a tener un obstinado empeño en plasmar con letras aquello que me ocurre y me ronda la cabeza, considero que nada iguala al lenguaje musical a la hora de descifrar un determinado estado emocional. Es justo en ese momento, al sonar la música y callar el mundo, cuando sobran las palabras y, a la vez, todo alcanza una clarividencia limpia y deslumbrante.
Fruto de esta reflexión, una vez al año, aprovechando la temporada de verano ingrávida, extraña y que supone una aproximación a la realidad distorsionada por los términos de "vacaciones", "sol", "playa" y "diversión", en mi podcast Talk to Him elaboro una playlist de temas que, lejos de ser un recopilatorio al uso de canciones veraniegas, supone un viaje concatenado a través de las experiencias vitales que me rondan, no exentas del peso -mucho mayor que el de los cubos de arena y las chanclas- de los recuerdos, los deseos, la melancolía, la nostalgia y el hambre, pese a todo infatigable, de futuro.
Ya sea lineal o circular, de ida con o sin vuelta, el trayecto conlleva una jornada por diversos estilos musicales y sensaciones acordes al sonido con una única lógica: la de no engañar al corazón, aún cuando la cabeza se empeñe a veces en hacerlo. Que ustedes lo disfruten.
El powerpop desde siempre me ha parecido un estilo musical muy vivificante. Sus melodías vocales y de guitarras, sus estribillos invencibles, con esa combinación magistral de sensibilidad y de electricidad, me resultan una celebración sonora de la vida. No importa el momento o el lugar donde lo escuches, tu corazón se incorpora esperanzado para abrazar todo aquello que le abrigue.
Ahora que llega el verano -un estado interior, más que una estación del año- desde mi podcast Talk to Him he decidido hacer un programa especial dedicado al género. Desde una perspectiva personal, repasando clásicos, grandes nombres, una selección femenina de artistas, reivindicaciones necesarias y hasta algún guiño hispano. Espero que disfrutéis de estas dos horas de sensibilidad directa, honesta e inevitablemente contagiosa. Brindemos por la vida, y por la música, por acompañarnos cada día.
Y como bonus track para el blog, os presento a una banda británica muy especial que no aparece en el programa: Silversun. Esta bonita canción es "immediate".
David Lynch se me antoja un genio polifacético con grandes virtudes. La principal, desde mi punto de vista, la de plasmar cualquier cosa artísticamente sin necesidad de ser comprendida y apreciada desde los parámetros, digamos, convencionales del conocimiento. Una deriva sensorial libre, valiente y auténtica que sugiere un baile trenzado artista-público, siempre estimulante y sorprendente. No todos pueden hacerlo, por no decir casi nadie, y los intentos de emular su estilo, ya sean homenajes o plagios claros son, la mayoría de veces, fallidos.
Una faceta imprescindible en su carrera artística, ya sea ésta como cineasta o como músico, es el tratamiento exquisito del sonido en todas sus facetas, incluyendo una apreciación que se me antoja necesaria de destacar: el uso más sobrenatural del silencio que un director jamás haya practicado, apreciable de forma palmaria en todos y cada uno de sus films, cortos y series.
De esta forma, se me hacía casi inexcusable dedicarle antes o después un podcast de Talk to Him. En este caso, el hilo central es la relación indisoluble entre David Lynch y la Música. Dos horas repasando las bandas sonoras de sus películas y series, así como un recorrido por su obra netamente musical y la presentación de algunos de sus más notables apadrinamientos musicales. Espero lo disfrutéis sobremanera al escucharlo, como hice yo haciéndolo.
De postre, os dejo una perturbadora escena de Carretera Perdida con la estupenda versión de "Song to the siren" a cargo de This Mortal Coil, una mezcla fantástica de emotividad onírica e hipnótica.
Un año más, desde mi podcast musical Talk to Him, vuelvo a tener un ajuste de cuentas emocional con los doce meses pasados. Y como no puede ser de otra forma, o mejor dicho, como no sé hacerlo de otra mejor, mi libro de ruta, ese mapa de los días que van y vienen, lo he dibujado a través de la música que me acompaña siempre.
Dos programas muy especiales con Los Mejores 20 Discos, Los Mejores Directos, Premio Miscelánea, Novedades Esperadas 2018, Mejor EP, Menciones de Honor y Decepciones, todo este contenido distribuido en más de cuatro horas que espero sean tan excitantes para vosotros al escucharlas como para mí al confeccionarlas. Que disfrutéis del viaje sonoro.
Y como añadido para el blog, os he seleccionado tres videoclips que considero destacados en el pasado año:
September 87. "Bad dream baby". Publicaron en 2017 probablemente uno de los singles más redondo del año. Savia nueva para el synthwave tras haber pasado ya su edad dorada. El videoclip trabaja en esa estética 80's ensoñadora, naive y evocadora.
The War on Drugs. "Nothing to find". No contentos con sacar un disco sobresaliente, The War on Drugs nos regalan videoclips muy trabajados, como el de "Nothing to find" una suerte de revisión del apasionado romance de La Cosa del Pantano con su novia humana. Bello, radiante e inspirador.
Marilyn Manson - "WE KNOW WHERE YOU FUCKING LIVE". De acuerdo, hace mucho tiempo que Marilyn Manson no despierta expectación con sus lanzamientos y que su encendido rock industrial adolece de pagada y de canciones para el recuerdo, pero también lo es que el provocador vídeo para este tema es una patada en la boca a estos irritantes tiempos ahogados por la dictadura de lo políticamente correcto.
Este mes el podcast Talk to Him se detiene en un género musical que ha marcado profundamente mi vida: el post-rock. Dudo de que exista una música más evocadora y con mayor poder para despertar las nostalgia y los viajes sin movernos del sitio por las oquedades más profundas de nuestros corazones. Son incontables las veces en que sus pasajes han acompañado mis días, mis mejores y mis peores momentos, siempre sirviendo como medicina irrenunciable para el alma.
Es cierto que actualmente el movimiento no vive su mejor momento, pero el legado aportado por multitud de bandas es del todo imprescindible. Es por ello que estas casi dos horas pretenden ser una incursión en nombres no tan de primera línea, que pueda servir tanto a conocedores del sonido ya familiarizados con los artistas más importantes del estilo como a nuevos acólitos para transportar su vida por una dimensión sonora magnética y ensoñadora. Espero lo disfrutéis, os advierto que su escucha puede abrir grietas impredecibles en vuestro espíritu.
Como complemento, añadiré en este artículo tres archivos de tres de las bandas más fundamentales del género, obviando a Mogwai, ya que estos tuvieron el honor de ser elegidos como los protagonistas del tema de apertura para el programa.
1. Explosions in the Sky. Imprescindibles en directo, cuentan con una de las puestas en escena más sobrenaturales a las que el ser humano puede exponerse. Auténtica plasticidad artística conmovedora, lírica y radiantemente viva. Escuchar este tema en sus apariciones sobre las tablas es un ritual que ningún mortal debiera perderse en esta vida.
2. Godspeed You! Black Emperor. Una de las bandas anti-sistema más importantes del planeta. Contestatarios, rebeldes, huidizos y terriblemente huraños con los medios. Su disco doble, Lift Yr. Skinny Fists Like Antennas to Heaven!, es una obras maestra mastodóntica de un calado y trascendencia imborrables para el devenir del rock instrumental.
3. Mono. El cuarteto japonés es una banda imponente, extremadamente brillante, sutil a la par que solemne y emocionante. Su mayor logro ha sido aunar como ninguna la música clásica y el post-rock, sobre todo a través del magno Hymn to the immortal wind, probablemente el disco más trascendental en mi vida adulta.
Este mes, Talk to Him dedica su programa a un año clave en el devenir de la música popular contemporánea: 1991.
La década de los 90's, tan injustamente olvidada e incluso silenciada en su amplitud cultural y apertura de miras, arrancaba con un año en el que se daba pistoletazo de salida a la fiebre del rock alternativo y el fenómeno de la música independiente. Y como buque insignia, el segundo trabajo de Nirvana, Nevermind, con ese himno generacional que fue "Smells like teen spirit". A rebufo de su lanzamiento, Seattle se convirtió en el centro neurálgico del mejor rock mundial durante la primera mitad de la década
En su origen, ambas etiquetas eran sinónimo de rebeldía, insurrección, creatividad e inquietud. Actualmente, por desgracia, ambas etiquetas hace tiempo que fueron absorbidas por la propia industria, convirtiéndose en el estándar contra el que justamente se erigieron en su nacimiento.
De igual manera, ese año fue clave en la inspiración de muchas bandas asentadas que ofrecían en muchos casos su última gran muestra de talento: Guns 'n Roses, Metallica, Red Hot Chili Peppers y U2 son el perfecto ejemplo.
Espero disfrutéis la selección de lanzamientos compilados durante estas dos horas, desde luego no están todos los que son, pero sí que son todos los que están.
Como extra a la selección realizada para el podcast, os dejo un tema de Spiderland, el trabajo de Slint que supuso la revelación sonora del fenómeno post-rock y que durante los siguientes años copó el mercado del rock instrumental más inquieto y emotivo.
Este mes en Talk to Himqueremos rendir un homenaje a los mejores discos publicados en los primeros años del Siglo XXI.
Como sabéis, desde el podcast hacemos un repaso anualmente a los mejores 20 lanzamientos discográficos editados durante cada ejercicio, además de otras múltiples clasificaciones como mejores conciertos, EP's, decepciones, menciones de honor, etc.
Si queréis rememorar alguno de estos programas emitidos durante 2015 y 2016, podéis encontrarlos en los siguientes links:
Los 20 mejores discos de 2015:
Del 20 al 11:
Del 10 al 1:
Los 20 mejores discos de 2016:
Del 20 al 11:
Del 10 al 1:
Lo que quizá algunos no sepáis es que estas listas de mejores discos fueron confeccionadas durante muchos años antes por mí en un programa de radio multicultural, la Parada de los Monstruos, actualmente desaparecido. Para rememorar todos esos números uno durante el tiempo que realicé estos rankings, concretamente desde el año 2000 al 2014, el programa de este mes hará un repaso de ellos como ejercicio de introspección emocional y, a su vez, como rescate de una serie de obras imprescindibles por completo. Espero disfrutéis de este viaje nostálgico y vivificador.
Estamos en verano y desde TalktoHim, como ya hicimos el pasado año, brindamos una nueva playlist veraniega muy especial.
Os invito a embarcaros en un viaje musical a través de una lista dinámica, variada y, de una forma u otra, llena de sensaciones y sentimientos especiales, lo suficientemente universales como para hacer desde lo particular algo que pueda, o al menos intente, llegar a todo el mundo; y claro, siempre con el libre albedrío que destila la música, en su salvaje e inevitable lenguaje propio, apreciado e interiorizado por cada persona con completa autonomía y significado único. Espero la disfrutéis tanto como yo haciéndola, nos encontramos en el horizonte infinito de las canciones.
Este mes en mi podcast musical Talk to Him nos embarcamos en un viaje hacia un sonido que convulsionó la segunda mitad de la década de los 90's. Después de que el grunge y el brit-pop se convirtieran en las dos escenas más excitantes en el nacimiento de dicha década, fue la electrónica más combativa la que le tomó el relevo en los últimos años de la llamada "premillenium-tension" a través del Big-Beat, un fenómeno netamente británico en su alumbramiento.
El techno inteligente (escuchar aquí el especial dedicado al género), el trip-hop o el big-beat, también llamado breakbeat o brit-hop fueron los encargados de aportar un soplo de aire fresco a la música, teniendo desde entonces siempre en cuenta que hace muchísimos años que la innovación, la vanguardia y la transgresión subterránea son territorio exclusivo de la electrónica en todas sus variantes ante el creciente conservadurismo y anquilosamiento del rock, por no decir ya el insultante que despide la denominada "música indie".
Un repaso por popes tan fundamentales como The Prodigy, The Chemical Brothers o Fat Boy Slim, pero también recordando algunas otras propuestas más subterráneas y no por ello menos excitantes. Un ejercicio de arqueología musical resucitando un movimiento hoy absolutamente anacrónico y pasado de moda, pero que, durante un suspiro en la historia, amenazó con ser el sucesor del rock en términos de contracultura, rebeldía, desafío e incomodidad frente a lo establecido. Subid a la azotea con Him y no os lo perdáis.
Para terminar, os dejo el vídeoclip de Firestarter, muy probablemente el momento previo a la eclosión masiva de The Prodigy con Fat of the Land, una suerte de obra que supuso a la par el auge y la decadencia de la banda, si bien su actitud sigue resultando hoy día a prueba de balas, pese a la escasa calidad compositiva de sus últimos trabajos.
En el programa de Talk to Him de este mes, dedico la carta sonora a la persona de Dave Grohl. Infatigable artista, capaz de haber sobrevivido a la extinción de Nirvana y de colaborar con los mejores artistas del panorama rockero internacional, el bueno de Dave jamás ha renunciado a la música a través de su honesta, sencilla y contagiosa manera de mostrar auténtica pasión por ella, tanto en su faceta de músico como en su faceta de ferviente fan.
Durante dos horas eléctricas os propongo un repaso a toda su carrera, desde sus inicios en pequeñas bandas hardcore de Washington D.C. hasta llegar a sus más recientes proyectos audiovisuales en materia documental básicamente, todo ello sin olvidar sus múltiples colaboraciones, mutaciones y alguna que otra rareza de su banda principal, Foo Fighters.
Curiosamente, a los pocos días de grabar el programa, Foo Fighters adelantaba un tema de su nuevo trabajo discográfico, Concrete & Gold. "Run" muestra su creciente lado épico sin renunciar a su visceralidad primitiva, acompañado, además, de un gran videoclip, como suele ser frecuente en sus singles. Aquí os lo dejo:
Por otro lado, Foo Fighters nos han sorprendido con la organización de un interesante festival en el Glen Helen Regional Park (San Bernardino) demostrando una vez más su devoción por difundir el amor por la música, celebremos que aún queden bandas así.
Este mes el programa de mi podcast Talk to Him está dedicado a una de las particulares listas que tanto me gusta hacer. En este caso se trata de una lista de 15 discos muy especiales: los 15 discos incomprendidos más importantes de mi vida.
A lo largo de la historia musical, son muchos los discos que bien el público, bien la crítica o bien incluso ambos han considerado raros en función de las expectativas y de la trayectoria de los artistas que se han encargado de crearlos. Generalmente, este extrañamiento lo provoca un cambio de orientación estilística, arriesgados experimentos o trabajos, directamente, inclasificables por el resultado, el planteamiento o la coyuntura existencial a través de la cual se generaron. Hay casos en los que estas raras avis, por algún motivo concreto, se convierten en nuestra debilidad particular, formando parte del olimpo de obras indispensables a las que recurrir habitualmente en aquellos momentos en los que las necesitamos.
Espero disfrutéis de este viaje desde el puesto 15 al más importante, trufado de anécdotas artísticas y personales escritas a lo largo de la carta sonora que elaboro mes tras mes desde mi azotea ventricular.
Como contenido extra a los 15 discos que componen el programa, os dejo otras 3 menciones de discos que se han quedado fuera por poco. Os recomiendo encarecidamente su escucha si no los habéis disfrutado nunca.
Candlebox. Happy Pills (1998). Tras un segundo disco fallido y la injusta etiqueta de segundones de los grandes del grunge que siempre acompañó a los de Seattle, era de esperar que su tercer disco no interesara prácticamente a nadie. Sin embargo, nos encontramos ante un álbum repleto de estupendas canciones, elaboradas guitarras y mucho sentimiento, para mí su mejor trabajo. Además, fichan para la ocasión nada más y nada menos que a Dave Krusen, el mítico batería que grabó Ten de Pearl Jam.
Foo Fighters. In your honor (2005). El disco doble de Foo Fighters dividido en dos partes, una digamos "contundente" y otra "acústica", despistó a gran parte de sus fans y de la crítica. Como en muchos otros casos, haber compilado las mejores canciones en un solo largo hubiera dado un resultado compacto y tremendamente atractivo. Aún así, el nivel exhibido en su primer disco, el de las canciones más duras y agresivas, es tan bestial que compensa con creces la flojera experimentada en algunos tramos de su otro disco baladístico, faceta en la cual, todo sea dicho, Foo Fighters nunca consiguen deslumbrar tanto como cuando tiran de electricidad y de los alaridos del bueno de Dave Grohl.
God is an astronaut. Origins (2013). La banda irlandesa de post-rock lanzaba hace unos años su disco más heterogéneo, muy emocionante a la vez, quizá lejos de sus obras capitales, pero aún así se trataba de una nueva lección de sensibilidad y explosiones acertadas de electricidad. Su proximidad al sonido de los Mogwai más recientes y el uso del vocoder pasó factura a sus fans más integristas, relegándolo al olvido injustamente. Aún hay tiempo para corregir tamaño disparate.
Los aficionados a mi podcast Talk to Himrecordarán que hace un año aproximadamente dediqué el programa al fenómeno musical del synthwave (ver aquí la entrada); por aquel entonces ya señalé mi intención de brindar un nuevo especial al género más adelante. Pues bien, esta "amenaza" se ve cumplida este mes con un regreso por todo lo alto a las autopistas sonoras del sintetizador contemporáneo con espíritu retrofuturista.
Esta nueva entrega pretende ahondar en sus planteamientos y presentar lo más selecto e interesante del género, desde recopilatorios fundamentales, pasando por interesantes proyectos audiovisuales y llegando a los grandes artistas del synthwave, avalados por sus extraordinarias canciones y discos. Una perspectiva completista y complementaria a la mostrada en la anterior ocasión. De igual forma, podéis escuchar el podcast sin necesidad de haberlo hecho antes con su primera parte, por denominarla de algún modo.
Espero disfrutéis del acontecimiento musical underground más rico, inquieto y selecto de los últimos tiempos.
Para completar este nuevo artículo del blog, pasaré a comentaros tres fenómenos destacados del synthwave en lo que va de año 2017. No os perdáis ninguno si os apasiona esta escena.
Lazerhawk: Dreamrider. Tras tres discos anteriores muy recomendables y bastante trepidantes, el norteamericano Garrett Hays, el hombre que se encuentra tras Lazerhawk y co-fundador de Rosso Corsa Records, importante sello discográfico en su labor de expasión del genero, publica su referencia más atemperada y madura. Un ejemplo perfecto de la evolución y riqueza del synthwave capaz de haber sobrevivido a su burbuja.
Dance with the dead: B Sides Vol1. Dance with the dead probablemente sea la banda de synthwave más en forma a nivel mundial ahora mismo. Su disco The Shape del año pasado es una auténtica maravilla. En plena fiebre de inspiración y expansión, publican en 2017 un completo repaso a sus caras B, no tan fundamental como su flamante discografía principal, pero completamente recomendable.
Sunglasses Kid: Graduation. Gran sorpresa de la temporada. Un disco muy refrescante y con una idea conceptual ágil y adictiva en cuanto al mundo high -school años 80's de tantas comedias de la época. Variado, original y ampliando territorios.
De todos aquellos que me leen y por extensión se relacionan conmigo es sabida mi querencia por el grunge, esa extraña etiqueta musical que tantos años después parece haber quedado perdida en el tiempo y el espacio. Ahora sabemos que englobaba a una serie de artistas que, más allá de su espíritu emocional y de su militancia en el desarraigo, poco tenían que ver entre ellos musicalmente en la algunos casos.
Haciendo balance, quizás sean Nirvana y Pearl Jam las bandas que más han quedado consagradas en el imaginario de los fans, sobre todo de las nuevas audiencias. Pero los veteranos, aquellos que estuvimos en esos años germinando nuestra adolescencia y nuestros primeros envites con el desencanto vital, no podremos olvidar nunca la herencia de dos grupos musicales imborrables en nuestro transitar vital: Alice in Chains y Soundgarden. Densos, intensos, ricos, inabarcables, genios...eso y mucho más se desprende de su legado al cual una y otra vez no nos queda otro remedio que recurrir para sanar los sinsabores de la cotidiana enfermedad social moderna.
Por ello, en este mes son los dos primeros invitados a una nueva sección dentro del podcast Talk to Him que lleva por título El Reto. ¿Y qué es El Reto? El reto es una propuesta en la que dos artistas, bandas, discos, movimientos musicales o lo que sea se enfrentan uno contra el otro para dilucidar si existe un ganador - lo de menos en este caso; lo principal es disfrutar la música, obviamente-. La única premisa para que exista este reto es una afinidad de algún tipo que permita y justifique este enfrentamiento.
A lo largo de diversas categorías, iréis escuchando canciones de ambas bandas, todas ellas fascinantes, y el recorrido sólo determinará una victoria clara: la de la música. Os invito a disfrutar de ella.
A continuación, os dejaré dos documentos audiovisuales de dos momentos cumbre en las carreras de ambas bandas. En el caso de Alice in Chains, su participación en los imborrables Unplugged que MTV organizaba prolíficamente en la década de los 90 y entre los cuales éste, por su tono descarnado, frágil, emocionante y completamente honesto es de los más impresionantes junto al de Nirvana. Aquí tenéis una demostración con "Would?". A todos aquellos que no lo hayáis disfrutado, os recomiendo sin lugar a dudas su visionado íntegro.
Por parte de Soundgarden, un momento de un concierto mítico: su actuación en el Lollapalooza de 1992 donde actuaron junto a otros grupos de la época en plena efervescencia como el caso de Pearl Jam, Rage Against The Machine o Stone Temple Pilots. Interpretan una de sus primeras canciones indispensables: "Gun". La calidad no es todo lo buena que quisiera, pero el documento merece su publicación.
Como viene siendo habitual desde hace mucho tiempo, al llegar el final de cada año recapitulo mis vivencias, mis emociones, mis deseos, mis dudas, mis decepciones y mis miedos a través de la música, así como lo hago de manera instintiva cada día que construye mi existencia.
Hace poco más de un año realizo esta misión a través de mi podcast mensual Talk to Him, un espacio íntimo y a la vez universal, dedicado por completo a la música y desde el que poder plasmar mis inquietudes radiofónicas y musicales compartiéndolas con todas aquellas personas que quieran acercarse a mi propuesta.
2016 será recordado como uno de los más aciagos en el panorama musical. En él tuvimos que lamentar la muerte de grandes artistas legendarios como David Bowie, Prince, Leonard Cohen o George Michael. Aún así, y a pesar de estos sinsabores indiscutibles, disfrutamos de nuevo de grandes trabajos discográficos y fenomenales actuaciones en vivo.
En los dos siguientes programas podéis escuchar o descargar los especiales mensuales dedicados a los mejores 20 discos del año 2016 a mi parecer. Una cuenta atrás desde el 20 al 1 que, por encima de cualquier otra consideración, se me antoja involuntariamente heterogénea y confeccionada desde las más absolutas independencia, honestidad y significado para mi persona. Espero disfrutéis el recorrido junto a mí.
1ª Parte. Los Mejores Discos de 2016. Del 20 al 11. Contenido adicional: Mejores Directos 2016, Lanzamientos más esperados de 2017 y Premio Miscelánea (premio otorgado al mejor disco fuera de la categoría de estudio, es decir, al mejor disco recopilatorio, reedición, en directo, de rarezas, etc.).
2ª Parte. Los Mejores Discos de 2016. Del 10 al 1. Contenido adicional: Mejor EP, Decepciones Discográficas y Menciones de Honor discográficas del año 2016.
Y cerrando este repaso anual, no quiero dejar pasar la oportunidad de reivindicar los 3 videoclips del pasado año más especiales para mí. Aquí os los dejo.
1. Radiohead. Daydreaming. Este misterioso y bello vídeo dirigido por Paul Thomas Anderson (Magnolia, There will be blood) es lo más destacado bajo mi punta de vista del regreso de Radiohead el pasado año con su disco A Moon Shaped Pool. El vídeo y la canción "Daydreaming", por supuesto. Si bien este trabajo muestra mejoras con respecto a la flojera compositiva indiscutible del ramplón The King of Limbs, queda lejos de sus grandes obras maestras, incluso de esa increíble proeza más reciente como fue In Rainbows, su último gran disco imprescindible.
El videoclip incide en la ruptura sentimental de Thom Yorke en el año 2015 tras 23 años de relación con la catedrática de literatura medieval italiana Rachel Owen, recientemente fallecida tras una ardua lucha contra el cáncer; fruto de ésta nacieron sus dos hijos Noé y Agnes. Esta proeza audiovisual está llena de mensajes encriptados secretos. El realizador Rishi Kaneria se ha encargado de ir desentrañándolos. Entre los más impresionantes está el hecho de que Thom ande perdido por diversos instantes de lo que parece su vida, abriendo puertas que le llevan de un lugar inconexo a otro, tal y como ocurre en los sueños. Pues bien, el número de puertas que abre es exactamente el mismo de los años de relación que tuvo con su mujer, 23. Otro mensaje secreto que me parece alucinante radica en las frases incomprensibles invertidas y distorsionadas que Thom expresa a la cámara desde su refugio bajo la montaña al final del vídeo. Pues bien, Kaneria se ha encargado de revertirlas y dicen "Half of my life, half of my love". ("la mitad de mi vida, la mitad de mi amor"). Y es que la separación se produjo cuando Thom tenía 46 años, el doble de años que tuvo de relación y que, justamente, son los mismos años de vida que tenía Radiohead en ese momento: 23. En el videoclip existen múltiples referencias afectivas, maternales y a momentos vividos por la banda. Un recorrido emocionante por toda la vida sentimental y artística del cantante. 2. Nick Cave & The Bad Seeds. Girl in Amber. Impresionante ha resultado la obra que Nick Cave ha sacado este pasado año 2016, Skeleton Tree. Un trabajo minimalista, oscuro en su viaje hacia la luz final, emoción pura, solemnidad dramática incontestable. Ha sido la catarsis de un genio que sufrió la tragedia de perder a un hijo despeñado en un accidente en la montaña. De cómo superar esto tras el duelo, de cómo salir adelante una pareja tras la erosión interpersonal y el dolor individual e intransferible que supone la muerte de un hijo a una edad imposible, de todo esto trata la última obra del australiano. Algún descerebrado ha tenido la desfachatez y el burdo capricho de considerarlo un trabajo demasiado afectado y expuesto, como si fuera posible reaccionar de otra forma desde un punto de vista artístico a un hecho de semejante calado. Mucho mediocre con ganas de tener su minuto de gloria a través de su opinión supuestamente exclusiva e insolente es lo que hay.
El vídeo es una maravilla visual: un elegante y exquisito uso del blanco y negro, rodado con sutilidad, sin ornamentación y sin parafernalia gratuita alguna, exclusivamente muestra a la banda grabando en estudio en toda su magno esplendor. Soberbio. El resto de videoclips editados de Skeleton Tree siguen el mismo modelo, pero elijo esta canción por su escalofriante sensibilidad.
3. Carpenter Brut. Turbo Killer. Si bien esta canción, "Turbo Killer", es del año 2015, el espectacular videoclip dirigido por Seth Ickerman fue lanzado en febrero del pasado 2016. Y es que, sin duda, el synthwave o retro-wave está abriéndose paso como una de las corrientes musicales más inquietas y con más cosas que decir desde hace algunos años. Pero ojo, no se confundan: paralelamente se está llevando a cabo una sobreexposición mediática de los 80's que poco o nada tiene que ver con el movimiento musical indicado. Bien es cierto que ambos beben de la cultura pop y la estética de hace tres décadas, pero el espíritu, las intenciones y la actitud poco o nada tienen que ver: en el synthwave hay auténtico underground, peligro y nostalgia que no entiende de mero revival, poco de inocencia laxa; hay efervescencia creativa, consiste en crear a partir de la inspiración pasada, pero con una vocación eminente de presente y de futuro; un futuro que, por lo que parece, nunca será más que nuestros sueños pasados.
Carpenter Brut, en la línea dura del género, confeccionan una suerte de explosivo y trepidante videojuego inspirándose en la principal estética seductora del género -por encima de la de películas o la de series de TV de los 80's-: la de las portadas, las revistas y los argumentos de videojuegos que nos retrotraen a nuestras gloriosas tardes a la salida del colegio con un Spectrum 48K, un Amstrad CPC 464 (monitor fósforo verde, claro), un Commodore 64K o un MSX-2.
Este mes, el programa de mi podcast Talk to Him está dedicado a la banda británica Suede; concretamente a su fascinante universo de caras B. Hoy día con la fragmentación y cambio que ha sufrido la escucha musical, es difícil que los artistas presten una especial atención al formato single y a las canciones que lo acompañan. Sin embargo, durante décadas esto no ha sido así: han sido muchísimos músicos los que han puesto todo su cariño y atención en las caras B de su obra, incluso, en algunos casos, más si cabe que en su obra titular, por llamarla de alguna forma.
The Cure, Depeche Mode, The Smashing Pumpkins, The Smiths, Pearl Jam...son infinidad los grupos que han aportado un conjunto fascinante de caras b al recorrido musical de mis días. Sin embargo, en esta ocasión los protagonistas serán Suede. Un recorrido cronológico por su carrera, repleta de talento, enfrentamientos y afán de superación en busca de la canción más bella, emocionante y perfecta.
Os dejo con una de las cartas más íntimas y personales escritas por Him. Que disfrutéis de su lectura sonora.
Si queréis un primer acercamiento a sus Caras B, además del programa, no dejéis de escuchar su maravilloso recopilatorio Sci-Fi Lullabies, el cual compila probablemente las mayores joyas de este universo.
Este mes de septiembre, mi podcast musical Talk to Him quiere hacer un homenaje especial a los discos de debut más importantes que he escuchado a lo largo de mi vida. Por supuesto, como en todo lo que hago, lo más importante es el enfoque personal y la importancia sentimental que estos trabajos tienen para mí, independientemente de su propio valor artístico, el cual pienso también es incuestionable.
Muchas veces he debatido en torno a la importancia de las óperas primas artísticas. Para mí son capitales, ya que representan todo el esfuerzo, talento e ilusión por parte de un conjunto de personas por lograr plasmar su arte en algo concreto. Además, cuentan con ese aliciente de vértigo e incertidumbre que causa el hecho de no saber si volverán a poder publicar algo más mientras sigan vivas.
Debido a este aliciente envenenado, considero que los artistas vuelcan en ellas lo mejor de sí mismos, si bien es cierto que en muchas ocasiones -las más, pienso- los auténticos músicos fuera de serie irán puliendo su trabajo a lo largo del tiempo, esculpiendo obras más refinadas y mas personales; pero una cosa está clara: la inocencia, el empuje y la pasión que un artista pone la primera vez que se embarca en la aventura de la creación me resulta difícil de superar posteriormente.
Pues sin más que añadir, os dejo con el podcast dedicado al listado de los 15 discos de debut más importantes de mi vida; como siempre suelo hacer en un comeback, del 15 al 1. Huelga decir que con lo voluble que son nuestras emociones -y, paradójicamente, tan adheridas al fondo de nuestras entrañas- este listado pudiera sufrir variaciones de un día para otro, si bien lo que es indiscutible y permanecerá inalterable es el valor fundamental en la construcción de mi persona de todos estos discos. Espero lo disfrutéis.
Todo tiene su principio. Nirvana con su formación primitiva como cuarteto tocando en junio de 1989 en Rhino Records. Todo un documento audiovisual.
